live@CIRMMT: Tout ce qui se trouve entre les deux, de la composition à l'improvisationlive@CIRMMT présente un concert avec des œuvres des artistes Nicolas Bernier, Myriam Boucher, Pierre-Luc Lecours, Steve Reich, Gaël Moriceau et l'Ensemble de Feedback Libre.https://www.cirmmt.org/fr/events/live-cirmmt/28feb2025https://www.cirmmt.org/fr/events/live-cirmmt/28feb2025/@@download/image/live@ Feb 28 Website Poster landscape tabloid.jpg
live@CIRMMT: Tout ce qui se trouve entre les deux, de la composition à l'improvisation
live@CIRMMT présente un concert avec des œuvres des artistes Nicolas Bernier, Myriam Boucher, Pierre-Luc Lecours, Steve Reich, Gaël Moriceau et l'Ensemble de Feedback Libre.
Ce programme est un concert de musique électronique contemporaine interprété par l’Ensemble Modulaire, composé de quatre interprètes de synthétiseur modulaire : Daniel Áñez, Pierre-Luc Lecours, Maryse Legault et Davis Piazza. L’ensemble est dirigé par le compositeur et interprète de synthèse Pierre-Luc Lecours. Le concert comprend trois pièces, écrites spécifiquement pour l’ensemble par Myriam Boucher, Nicolas Bernier et Pierre-Luc Lecours, autour de la thématique "Synthetic Landscapes."
Pour l’Ensemble Modulaire, ce concert constitue sa première performance en public. L’interprétation de la synthèse modulaire est un domaine en plein développement, avec un potentiel artistique et expressif important, notamment pour l’interprétation en ensemble, encore peu explorée. L’Ensemble Modulaire a pour mission de promouvoir la composition et l’interprétation pour le synthétiseur modulaire et de faire connaître et explorer les spécificités du jeu en ensemble avec cet instrument.
Steve Reich : Vermont Counterpoint (1982)
Pour flûte solo et 10 parties de flûte préenregistrées. Interprète·s : Alex Huyghebaert (flûte traversière), David Piazza (spatialisation), André Godinho (ingénieur du son chargé de l'enregistrement)
Vermont Counterpoint est la première composition de Steve Reich d’être écrite pour instrument solo et bande, un instrumentation qu'il explorera plus tard dans d'autres œuvres. La pièce a été créée en réponse à une demande du flûtiste Ransom Wilson en 1982. Il avait demandé un concerto pour flûte, et en réponse, Reich a composé une pièce pour soliste et accompagnement préenregistré, où le flûtiste enregistre lui-même les 10 parties d'accompagnement. L'œuvre est écrite pour trois flûtes alto, trois flûtes, trois piccolos et une flûte solo. Reflétant le style minimaliste de Reich, Vermont Counterpoint utilise des motifs simples légèrement décalés dans le temps, créant de nouvelles mélodies à mesure que les motifs décalés semblent se mélanger. Dans notre spatialisation à 360 degrés des 10 parties, notre objectif est de mettre en lumière ces mélodies émergentes, en aidant les auditeurs à distinguer et à mélanger les différentes lignes musicales.
Feedback et improvisation font bon ménage. Nous explorons le potentiel expressif de l’interprétation du feedback, nous créons des dispositifs de feedback au potentiel musical et nous élaborons différents modus operandi pour l’improvisation libre. Quelles sont les balises du feedback libre? C’est là où se situent nos travaux de recherche-création. 3.1416.
Gaël Moriceau : Étude pour T-Stick Sopranino solo et granulation (2023)
Pour T-stick sopranino. Durée: 6'. Interprète·s: Gaël Moriceau
Cette performance propose une exploration de la synthèse sonore et des gestes instrumentaux utilisant le T-Stick, un contrôleur gestuel bien établi. Mappé à un granulateur développé dans l'environnement SuperCollider, le T-Stick se transforme en un instrument de musique numérique (IMN), permettant à l'interprète de sculpter les sons en temps réel. Le choix d'employer la technique de granulation découle de sa capacité à générer facilement des sons complexes en créant des amas denses de courts 'grains' extraits de fichiers sonores. Cette étude marque la phase initiale d'un projet de recherche visant à étendre le répertoire du T-Stick et à développer de nouvelles techniques de jeu pour les IMN.
* indique une première
Biographies
Ensemble Modulaire
Daniel Áñez
Daniel Áñez est un pianiste colombien spécialiste du répertoire contemporain latino-américain résidant à Montréal (Canada). Dans son travail de soliste et chambriste auprès de l'Ensemble Wapiti et No Hay Banda, Daniel a participé à des concerts dans plus de 15 pays des Amériques et d’Europe, de même qu’à la création de plus de 50 œuvres. Ses interprétations ont été publiés dans des albums des labels Kairos Music, No Hay Discos, Ambiances Magnétiques, Parma Records, ministère de Culture de la Colombie, Tacuabé/Ayuí et des albums indépendants. Daniel joue également des ondes Martenot et des synthétiseurs modulaires comme interprète et improvisateur. Il est cofondateur et codirecteur de la série de concerts No Hay Banda et membre du comité de rédaction de la revue Circuit. Il détient un doctorat de l’Université de Montréal en interprétation au piano.
Maryse Legault
Maryse Legault, whose playing has been described as "transcendent" by the Wall Street Journal, obtained her master's degree in historical clarinet performance from the Koninklijk Conservatorium Den Haag in 2017, under the guidance of Eric Hoeprich. Legault regularly joins numerous period instrument ensembles in Canada and internationally, including Teatro Nuovo, Tafelmusik Baroque Orchestra, The Handel & Haydn Society, Arion Orchestre Baroque, MusicAeterna, and Les Siècles. Her debut solo album, Around Baermann, recorded with Gili Loftus, has been critically acclaimed since its release on the Leaf Music label in 2023. Maryse created her first piece for clarinet, live signal processing, and fixed media, A Hundred Waves, based on the sound world of synthesizer pioneer Suzanne Ciani, at live@CIRMMT in December 2022. She also collaborated with composer, sound, and video artist Pierre-Luc Lecours to create a series of progressive studies for modular synthesizer as part of a research project supported by CIRMMT. In 2024, she completed a residency at Elektronmusik Studion in Stockholm, where she recorded the basic material for her next album on the famous Buchla 200.
Pierre-Luc Lecours
Pierre-Luc Lecours est un compositeur, artiste sonore et vidéo vivant à Montréal (Québec). Sa pratique artistique s’exprime à travers plusieurs médias et esthétiques différentes, allant de la musique à la vidéo et à la performance. Il s’inspire autant des courants de musique contemporaine instrumentale et électroacoustique que de la musique électronique et expérimentale. Ses performances mettent en scène des objets du quotidien combinés à une instrumentation traditionnelle et une écriture musicale annotée. Après un baccalauréat en musiques numériques, Lecours a complété une maîtrise en composition à la Faculté de musique de l’Université de Montréal sous la supervision de Pierre Michaud. En tant que chercheur, il s’intéresse à l’interprétation de la musique électronique, au décloisonnement des pratiques musicales contemporaines, au dialogue entre différentes cultures et héritages musicaux (électroacoustique et instrumentale) et à l’exploration de nouvelles formes d’expression audiovisuelles. Son travail a été présenté internationalement à de nombreuses reprises en Europe, en Asie, en Amérique du Sud et en Amérique du Nord.
David Piazza
David Piazza est un compositeur et interprète de musique électroacoustique basé à Montréal. En tant qu’étudiant de premier cycle à la Faculté de musique de l’Université de Montréal, il a étudié la composition sous la direction de Dominic Thibault et mené des recherches dans le domaine de la synthèse concaténative. Ses intérêts de recherche couvrent la composition, la spatialisation et la synthèse sonore.
Merlin Campbell est un artiste audiovisuel et sonore québécois (CA). Il est détenteur d’un baccalauréat en arts visuels de l’Université Concordia et d’un D.E.S.S. en musique numérique de l’Université de Montréal. Campbell poursuit ses études à la maîtrise en composition et création sonore à la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Ses créations, qui se manifestent sous forme de performances, d’installations et d’œuvres sur supports fixes, explorent les relations entre le son et l’image à travers différents sujets extramusicaux. Campbell aborde des sujets tels que l’environnement, l’humanité, la mort, la violence, la guerre, le déclin, la décomposition et l’horreur. Influencées par la musique bruitiste, drone et industrielle, ses pièces errent dans un univers plongé dans la noirceur où brutalité et délicatesse se côtoient. À ce jour, son travail a été présenté au Mexique, aux États-Unis, en Bosnie-Herzégovine et au Canada.
Sabe est une artiste-performeuse audiovisuelle de Montréal. Elle utilise le feedback audio issue de pédales, de microphones et d’une table de mixage sans entrée ainsi que sa voix comme outil compositionnel. Après avoir obtenu un diplôme en photographie à l'Université Concordia, elle a étudié plusieurs aspects de la musique tonale. Elle est tombée amoureuse de la musique numérique et a obtenu un D.E.S.S. sur le sujet à l'Université de Montréal. Elle poursuit maintenant une maîtrise en composition et création sonore avec l'artiste audiovisuelle Myriam Boucher comme superviseure. Sabe s'inspire de ses expériences personnelles pour s'exprimer sur divers maux de la société. Dans ses performances, elle associe le son et l'image pour créer des pièces intimes et abstraites dans lesquelles elle souhaite que le spectateur trouve son propre sens. Beaucoup ont dit que ses créations sont contrastées, brutes et déstabilisantes.
Jean-Philippe Jullin, artiste sonore et audiovisuel, se situe à l'intersection de l'art et de la technologie, où il explore les possibilités de cocréation avec les machines à travers des systèmes interactifs et immersifs. Financé par le Fonds de Recherche du Québec (FRQSC), son travail de composition a été salué par le magazine Musicworks et le concours JTTP. Il a également participé à la dernière conférence sur la créativité musicale par l'intelligence artificielle. Jean-Philippe est activement impliqué dans des projets artistiques collaboratifs, utilisant les technologies émergentes pour créer des expériences de contemplation active qui questionnent notre perception de l'espace et du temps.
Alexandre Marchand est un musicien autodidacte de Montréal, pratiquant principalement la basse et la contrebasse dans sa pratique professionnelle dans plusieurs groupes d’horizons diversifiés. S’ajoute à son étude personnelle, l’opportunité de participer à des ateliers, notamment dans l’ensemble Okto-Relève, co-dirigé par Katia Makdissi-Warren, où il pût nourrir sa curiosité auprès de maîtres issus d’une grande variété de cultures. Son désir de s’affranchir de certaines philosophies musicales et artistiques, et conséquemment d’en aborder d’autres, l’amènent à créer O:DOOZ, un groupe d’arts multidisciplinaire, ramifiant danse, musique mixte, et animations en direct. Cherchant à parfaire et diversifier sa pratique, Alex expérimente la matière sonore de diverses façons, dont avec des dispositifs de feedback.
Antoine Morin est artiste sonore originaire de Laval. Morin détient un baccalauréat en musique numérique à l'Université de Montréal. Son approche artistique se caractérise par l'utilisation fréquente de la réinjection de matériaux sonores, l'exploration des parasites sonores et une esthétique fortement imprégnée du mouvement punk. Il s'engage ainsi dans une quête artistique en repoussant les frontières des machines qui l'entourent pour créer des performances ou bien composer des œuvres qui captent un aspect brut. Il puise également son inspiration dans la scène noise et le jazz, enrichissant ainsi sa palette artistique. En parallèle à ses projets personnels, il est bassiste et tromboniste de formation. Morin est le bassiste et co-fondateur au sein du trio montréalais Chop Sue Me, un groupe fusionnant les genres Punk, Post-Hardcore, Grunge et Slowcore. Leur ambition est de ranimer l'esprit musical des années 90.
Kasey Pocius, est un artiste multidisciplinaire à l’identité de genre fluide vivant à Montréal. Parallèlement à une formation classique en violon alto et en piano, iel expérimente avec des logiciels multimédias. Connu pour ses performances multimédias électroniques en direct, iel s'intéresse particulièrement à la spatialisation sonore et à la manière dont elle peut être utilisée dans des expériences d'improvisation de groupe. Les œuvres de Pocius ont été programmées dans de nombreux festivals et conférences à travers le monde. Iel est professeuxe à temps partiel à Concordia et chercheuxe au Centre interdisciplinaire de recherche en musique, médias et technologie (CIRMMT) et au Input Devices and Music Interaction Laboratory (IDMIL), ainsi qu'au Groupe de Recherche sur la Médiatisation du Son (GRMS).
Nicolas Bernier
Nicolas Bernier est professeur agrégé en arts sonores à l'Université de Montréal (UdeM). Sa recherche-création est centrée sur la performativité du son électronique. Ses installations sonores et performances sont nourries par des collaborations constantes avec les arts visuels, la danse, la littérature, le théâtre et le cinéma. Lauréat du prestigieux Golden Nica au Prix Ars Electronica 2013 (Autriche), son travail est largement reconnu et présenté dans le monde entier : Sonar (Espagne), Mutek (Canada), ZKM (Allemagne), Transmediale (Allemagne) et Laboral (Espagne) pour n'en nommer que quelques-uns. Ses compositions sonores sont largement publiées par des labels de musique électronique, notamment LINE (États-Unis), Home Normal (Royaume-Uni/Japon), Leerraum (Suisse) et Empreintes DIGITales (Québec).
Myriam Boucher
Compositrice et artiste vidéo, Myriam Boucher est professeure/chercheure à l’Université de Montréal. Son travail sensible et polymorphe porte sur la relation intime entre la musique, le son et l’image. Elle travaille sur la combinaison en temps réel entre musique et images, étendant ses activités à du VJing, de la musique pour ensemble et des projets in situ. La liste de ses commandes inclut des commanditaires tels que l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM), l’Ensemble contemporain de Montréal, Ars Nova, le Nouvel ensemble moderne, Totem Électrique, le Duo D’Entre-Deux, Magnitude6, collectif9, New Music Concerts, 5ilience et Architek Percussion. Ses activités de recherche-création intègrent la composition musicale, l'improvisation, l’écoute profonde, l’écologie du son et l’immersion. Ses recherches visent à comprendre et analyser les mécanismes de perception d'œuvres audiovisuelles et de concerts multidisciplinaires intégrant son, musique, image et interprètes, sous la perspective que l'art soit une pratique capable de transformer le réel et d’engendrer de nouvelles formes de représentations sensibles.
André Godinho
Producteur audiovisuel et musicien, André Godinho est titulaire d'un baccalauréat en musique de l'Université fédérale de Rio Grande do Sul, au Brésil. Il est également diplômé en post-production audio et vidéo à Montréal. André a produit de nombreuses œuvres audiovisuelles, notamment des enregistrements de concerts, des documentaires, des vidéos musicales, des séries web, des coulisses, des photographies et du contenu pour divers artistes, projets, institutions et marques. En 2021, il a travaillé comme directeur de la photographie et monteur pour le documentaire « J. S. Bach - An Endless Journey - Prelude », qui a été primé dans sept festivals de films internationaux. Depuis 2022, il est au Canada où il réalise divers projets en tant que réalisateur, vidéaste, monteur et technicien pour des clients tels que l'Orchestre symphonique de Montréal, l'Université de Montréal, des artistes et des organismes communautaires.
Alex Huyghebaert
La flûtiste australienne Alex Huyghebaert, basée à Montréal, est une musicienne contemporaine passionnée. Elle est membre de l'Ensemble Éclat avec lequel elle a enregistré une collaboration avec la NASA dans le cadre du projet de sonification des données de The Universe of Sound. Récemment, elle s'est rendue en Corée du Sud, où elle s'est produite avec l'Interplay Trio pour représenter le Banff Centre for Arts and Creativity au festival Music in PyeongChang. Alex figure sur l'album March of the Women 2024 : Connecting Australia, une vitrine de la musique des compositrices australiennes. Elle est également coordinatrice du programme El Sistema X OSM à l’école Saint-Rémi. Au cours des trois dernières années, elle a interprété plus de 30 premières mondiales et, depuis son séjour à Montréal, elle a contribué à faire connaître plus de 60 nouvelles pièces à son public.
Gaël Moriceau est étudiant à la Maîtrise en musique, option composition et création sonore, à l'Université de Montréal (UdeM). Après avoir travaillé plusieurs années en génie mécanique, il change de carrière en 2019. Gaël étudie alors la conception sonore et la composition électroacoustique à l'UdeM où il obtient un Baccalauréat en musique numérique en 2022, Ses compositions cherchent à immerger les auditeurs dans des espaces sonores abstraits et inconnus. Il utilise autant la prise de son que la synthèse par ordinateur ainsi que diverses techniques de spatialisation pour créer des objets sonores et des textures uniques. La recherche de Gaël consiste à développer des techniques de jeu pour instruments de musique numériques (IMN) tels que le T-Stick et à composer des pièces électroacoustiques pour de petits ensembles d'IMN. L'objectif est d'élargir le répertoire des IMN, développer leur utilisation parmi les compositeurs et les interprètes assurant ainsi leur pérennité.
Remerciements
Le Conseil des arts et des lettres du Québec a apporté un soutien supplémentaire à la prestation de l'Ensemble modulaire.
Daniel Áñez est un pianiste colombien spécialiste du répertoire contemporain latino-américain résidant à Montréal (Canada). Dans son travail de soliste et chambriste auprès de l'Ensemble Wapiti et No Hay Banda, Daniel a participé à des concerts dans plus de 15 pays des Amériques et d’Europe, de même qu’à la création de plus de 50 œuvres. Ses interprétations ont été publiés dans des albums des labels Kairos Music, No Hay Discos, Ambiances Magnétiques, Parma Records, ministère de Culture de la Colombie, Tacuabé/Ayuí et des albums indépendants. Daniel joue également des ondes Martenot et des synthétiseurs modulaires comme interprète et improvisateur. Il est cofondateur et codirecteur de la série de concerts No Hay Banda et membre du comité de rédaction de la revue Circuit. Il détient un doctorat de l’Université de Montréal en interprétation au piano.
Maryse Legault, whose playing has been described as "transcendent" by the Wall Street Journal, obtained her master's degree in historical clarinet performance from the Koninklijk Conservatorium Den Haag in 2017, under the guidance of Eric Hoeprich. Legault regularly joins numerous period instrument ensembles in Canada and internationally, including Teatro Nuovo, Tafelmusik Baroque Orchestra, The Handel & Haydn Society, Arion Orchestre Baroque, MusicAeterna, and Les Siècles. Her debut solo album, Around Baermann, recorded with Gili Loftus, has been critically acclaimed since its release on the Leaf Music label in 2023.
Pierre-Luc Lecours est un compositeur, artiste sonore et vidéo vivant à Montréal (Québec). Sa pratique artistique s’exprime à travers plusieurs médias et esthétiques différentes, allant de la musique à la vidéo et à la performance. Il s’inspire autant des courants de musique contemporaine instrumentale et électroacoustique que de la musique électronique et expérimentale. Ses performances mettent en scène des objets du quotidien combinés à une instrumentation traditionnelle et une écriture musicale annotée.
David Piazza est un compositeur et interprète de musique électroacoustique basé à Montréal. En tant qu’étudiant de premier cycle à la Faculté de musique de l’Université de Montréal, il a étudié la composition sous la direction de Dominic Thibault et mené des recherches dans le domaine de la synthèse concaténative. Ses intérêts de recherche couvrent la composition, la spatialisation et la synthèse sonore.
Nicolas Bernier est professeur agrégé en arts sonores à l'Université de Montréal (UdeM). Sa recherche-création est centrée sur la performativité du son électronique. Ses installations sonores et performances sont nourries par des collaborations constantes avec les arts visuels, la danse, la littérature, le théâtre et le cinéma. Lauréat du prestigieux Golden Nica au Prix Ars Electronica 2013 (Autriche), son travail est largement reconnu et présenté dans le monde entier : Sonar (Espagne), Mutek (Canada), ZKM (Allemagne), Transmediale (Allemagne) et Laboral (Espagne) pour n'en nommer que quelques-uns. Ses compositions sonores sont largement publiées par des labels de musique électronique, notamment LINE (États-Unis), Home Normal (Royaume-Uni/Japon), Leerraum (Suisse) et Empreintes DIGITales (Québec).
Compositrice et artiste vidéo, Myriam Boucher est professeure/chercheure à l’Université de Montréal. Son travail sensible et polymorphe porte sur la relation intime entre la musique, le son et l’image. Elle travaille sur la combinaison en temps réel entre musique et images, étendant ses activités à du VJing, de la musique pour ensemble et des projets in situ. La liste de ses commandes inclut des commanditaires tels que l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM), l’Ensemble contemporain de Montréal, Ars Nova, le Nouvel ensemble moderne, Totem Électrique, le Duo D’Entre-Deux, Magnitude6, collectif9, New Music Concerts, 5ilience et Architek Percussion. Ses activités de recherche-création intègrent la composition musicale, l'improvisation, l’écoute profonde, l’écologie du son et l’immersion. Ses recherches visent à comprendre et analyser les mécanismes de perception d'œuvres audiovisuelles et de concerts multidisciplinaires intégrant son, musique, image et interprètes, sous la perspective que l'art soit une pratique capable de transformer le réel et d’engendrer de nouvelles formes de représentations sensibles.
Producteur audiovisuel et musicien, André Godinho est titulaire d'un baccalauréat en musique de l'Université fédérale de Rio Grande do Sul, au Brésil. Il est également diplômé en post-production audio et vidéo à Montréal. André a produit de nombreuses œuvres audiovisuelles, notamment des enregistrements de concerts, des documentaires, des vidéos musicales, des séries web, des coulisses, des photographies et du contenu pour divers artistes, projets, institutions et marques.
La flûtiste australienne Alex Huyghebaert, basée à Montréal, est une musicienne contemporaine passionnée. Elle est membre de l'Ensemble Éclat avec lequel elle a enregistré une collaboration avec la NASA dans le cadre du projet de sonification des données de The Universe of Sound. Récemment, elle s'est rendue en Corée du Sud, où elle s'est produite avec l'Interplay Trio pour représenter le Banff Centre for Arts and Creativity au festival Music in PyeongChang. Alex figure sur l'album March of the Women 2024 : Connecting Australia, une vitrine de la musique des compositrices australiennes. Elle est également coordinatrice du programme El Sistema X OSM à l’école Saint-Rémi. Au cours des trois dernières années, elle a interprété plus de 30 premières mondiales et, depuis son séjour à Montréal, elle a contribué à faire connaître plus de 60 nouvelles pièces à son public.
